Duane Eddy

DUANE EDDY 

En algún momento prometí huir de la nostalgia musical, pero entre vinilos eso es imposible, así que estos días me acordé de este disco, que dudaba si haber extraviado.

Pues no. Estaba entre los más antiguos de la discoteca y relativamente bien conservado pese a haber perdido la funda de celofán, especialmente pesado, no sé si por el sonido del que presume, el Dynagrove, y con un contenido para nada excepcional pero sí muy especial.

Tengo que decir que es, con otros tres o cuatro, un vinilo más o menos hurtado, digamos que "descuidado", porque recuerdo que pertenecía a un amigo de mi hermano, F. L., que en los fines de semana de verano, y en ausencia de su madre, viuda de guardia civil, auspiciaba guateques clandestinos en el piso familiar. 

Pero vayamos al disco y a Duane Eddy (Corning-Nueva York 1938-2024), un guitarrista de éxito en la década de los 60 que puso de moda el sonido twang, leo que resultado de sustituir las cuerdas habituales por las de una guitarra eléctrica con el fin de amplificar la reverberación. En cuanto al Dynagrove se dice que conseguía realismo, claridad y brillantez acentuando los graves mediante un sistema de grabación con computadoras analógicas.

En el elepé, del que me ha costado encontrar referencias en su versión española (no en vano hay quien pide 88 euros por el plástico), Duane luce como los crooners de la época, un guapo de tupé, pero él no canta, lo suyo es solo el sonido reverberante de su guitarra.

Hay que advertir que no se trata de un disco brillante, Eddy no era un virtuoso, pero sí, como decía al principio, característico de los experimentos pop del momento, de modo que haré una aproximación genérica y solo mención a algunas de las piezas que más me gustan o sorprenden. Se puede hablar, además, de un disco de versiones, ya que varios de sus cortes lo son de éxitos del momento.

El primero, “Guitar child”, es una introducción muy definitoria de su contenido. Se trata de una composición de la gran Jackie DeShannon y Sharon Sheeley, y muestra el protagonismo del twang de Eddy, creo que acompañado de las voces muy de época de las Anita Kerr Singers y el saxo de Gil Bernal (Los Ángeles 1931-2011). Digo “creo”, porque el disco no tiene créditos y he llegado a esa conclusión tras intensas pesquisas. Es una de las piezas más conocidas del guitarrista.

“Giddy Goose”, uno de los dos temas compuestos por el mismo Duane, está al servicio de su lucimiento y del sonido que se pretendía lanzar, si bien evidencia que no estamos hablando de un gran músico, ni siquiera de un intérprete notorio, pero sí de un producto bien empaquetado.

“Walk right in” es otro de los éxitos versionados del vinilo, en este caso de un tema lanzado por The Rooof Top Singers. Sin grandes alharacas, la de Eddy tiene el valor de dotarle de un sonido muy playero que imagino que en su momento influiría a los Shadows y a los Beach Boys.

“He'd so fine” es quizás la pieza más conocida del elepé, pero por tratarse de un éxito de The Chiffons del mismo año, de un tema muy versionado, y de que hizo que su productora le sacara una pasta al beatle George Harrison, ya que se consideró que les había plagiado su "My sweet lord". En este disco el tema sigue esa  línea de los grupos vocales negros de los sesenta, con un Eddy que sabe mostrarse en un segundo plano, aliñando la ensalada.

“Blowin Up a storm” es una de mis preferidas. Compuesta por David Gates, cantante y prolífico músico de estudio, tiene un sonido muy western, con un Eddy especialmente inspirado.

Le sigue otra joyita pop, “The same old song old night long”, de nuevo con el coro cogiendo protagonismo. La composición es de L. Hazlewood, el descubridor e impulsor del guitarrista, un todo terreno que producía, componía e interpretaba.

“Guitar'd and feathered “, compuesta por Duane, está en la línea característica del primer corte y también da preeminencia a algunos de los músicos de estudio.

El disco acaba con un tema del saxofonista King Curtis, “Soul twist”, que si bien hace referencia a dos de los ritmos de moda en aquel momento, tiene un marcado tono de blues, con especial relevancia del piano eléctrico y el saxo de Bernal, un secundario de lujo a lo largo de todo el vinilo. Desgraciadamente la versión española no está en Spotify, aunque sí gran parte de la discografía de Eddy, de modo que se pueden escuchar todas estas piezas y la mayoría de su repertorio.

Para aderezar el blog he recurrido a una versión directa del primer corte, “Guitar child”, con pequeña entrevista incluida

https://youtu.be/WogiQ64KzvY 

A un maravilloso directo de Eddy con los Rebels Rousers interpretando la canción que les da nombre en 1958

https://youtu.be/K8uZutr1avs

y al mismo tema en el corte de la película “Forrest Gump”

https://youtu.be/pyCGEHYvgsU?feature=shared

Jabalina

JABALINA

(cuarto relato corto del verano)

Valentina se jugaba ir a los europeos en aquel concurso y también, de refilón, su quinto título nacional. La televisión la enfocaba resaltando esa circunstancia y la mala suerte que la acompañó durante la temporada, con lumbalgias que habían impedido regularidad en el entrenamiento. 

Con cintura y espalda protegidas con una faja, Valentina saludó al público al ser presentada, se despojó del pantalón del chándal y empezó a hacer ligeros estiramientos. Aunque se trate de una prueba que requiere fuerza, también precisa de gran rigor técnico, una característica cada vez más común en los lanzamientos, lo que hace que los cuerpos de sus ejecutoras sean también más equilibrados y menos pesados. Valentina Setroksova destacaba por su metro noventa y una estampa escultórica, por encima de la de sus compañeras de fatigas.

En su primer lanzamiento pasó de los sesenta metros, pero quedó por detrás de su gran adversaria, Sara Pinia, y lo que era peor, por debajo de la marca mínima para ir al europeo, que ese año se celebraba en Milán.

Hizo dos lanzamientos más, pero algo desconcentrada por el chandrío que se daba cada vez que la megafonía presentaba a velocistas, corredores de mediofondo y saltadores varios, perdió la oportunidad de mejora con dos nulos, tres puestos en la clasificación y por poco no colarse en la repesca.

En el primero de los tres intentos de regalo mejoró doce centímetros pero tampoco pudo superar la distancia impuesta por la federación. Después vino otro nulo y la desesperación de Valentina, que se dirigió hacia la grada para recoger alguna indicación o simplemente el consuelo de su entrenador. Allí anduvieron analizando la altura del brazo, la carrera, el paso, la posición del tronco, el ángulo, el impulso...

Cuando volvió a la zona de lanzamiento algunas atletas vieron en su mirada que no lo daba todo por perdido. Sentada en el banquillo de descanso con los ojos cerrados, Valentina imaginó los movimientos que luego ejecutaría con la rabia que da sentir que ese verano podía acabar siguiendo los campeonatos de Europa por la televisión, si no era capaz de llegar a la distancia requerida. Se acercó a la raya con los pasos medidos, elevó el venablo a la altura precisa, arqueó el torso y lo lanzó con un ángulo que parecía ideal al objetivo.

El graderío vio primero volar la barra y, ya en el aire, convertirse en un arma arrojadiza, caer casi plana en la superficie del estadio, resbalar unas decenas de metros y alcanzar a uno de los corredores de ochocientos en la curva que conducía a la recta de meta.

Dicen que las armas las carga el diablo y esta tampoco era la primera vez que alguien se cruzaba en el itinerario de un objeto más parecido a una lanza que a una herramienta atlética. Unos años antes un chavalote de 17 años se había cargado a un árbitro de un saetazo en Alemania, pero en este caso el mediofondista solo vio frenada su cabalgada hacia la meta con el talón dañado, así que en vez del podio visitó el servicio de urgencias del hospital provincial, donde le colocaron una férula que le  llegaba a  la rodilla.

En el cono de lanzamiento primero cundió el desconcierto, y más tarde, a medida que se comprendió que el intento había sido invalidado, la desolación, ya que, de ser refrendado, hubiera supuesto récord nacional y mínima europea. Pero el reglamento deja claro que la atleta tiene que clavar la jabalina en la hierba y no en el talón del aquiles que pasa por allí para que la marca tenga validez.

"Mágico" - Gismonti, Haden, Garbarek

MÁGICO

En alguna crítica jocosa se dice que la mezcla de músico noruego, yanqui y brasileño parecía la más acertada para un chiste, pero aplicados en corresponder al título del cuarto vinilo que traigo al blog este verano, los tres músicos de culturas tan dispares consiguieron en 1979 crear un espacio común lleno de magia, en el sentido más exacto del término.

Grabado aquel año en el mítico sello ECM, “Mágico” agrupaba a tres de los que habrían de convertirse con el tiempo en marca de la casa: el guitarrista y pianista Egberto Gismonti (Carmo 1947), el saxofonista Jan Garbarek (Mysen 1947), y el bajo Charlie Haden (Iowa 1937-2014), que venía de colaborar con uno de los monstruos del free jazz, el saxofonista neoyorquino Ornette Coleman.

El disco empieza fuerte, porque su pieza inicial, “Bailarina”, 14´26´´, ya muestra la belleza de una obra que en su tiempo me provocó verdadera adicción. Compuesta por los cantautores brasileños Geraldo Carneiro y Piry Reis, muestra la combinación instrumental, a mi modo de ver muy equilibrada, que se da a lo largo del vinilo. Aunque es Garbarek quien marca la melodía de la canción, me encanta la sutilidad de los chicos de la cuerda, por más que en el primer tercio se animen a protagonizar un pequeño duelo, que el brasileño resuelve volviendo al tema central con tarareo incorporado, y que sean ellos quienes cierren la pieza con un desvanecido instrumental no menos sutil. En medio un pedazo de canción que vale la pena degustar sin interferencias ni despistes.

El segundo tema de la cara A , “Mágico”, da nombre al disco y está compuesto por Gismonti. Es un tema de una “magia” solo a momentos luminosa, en el seno de un elepé de naturaleza más bien triste. Garbarek lleva la voz cantante con su saxo tenor, siempre acompañado del brasileño, que se luce con un bonito “solo” con ecos de música española para guitarra. Haden sigue ahí, sin que se note, pero sí se nota.

“Silence” abre la cara B del disco y es el único corte compuesto por el norteamericano. Se trata de una pieza lánguida, alguien la definió como “una balada con la elegante austeridad de un coral de Bach”, yo hablaría incluso de réquiem. Con el lentísimo ritmo que marca un Gismonti dedicado aquí al piano, da tiempo al lucimiento de cada uno de sus intérpretes. Petra, la hija de Haden, que dedicó una versión “a capella” tras su muerte, decía que “a medida que la canción avanza, hay una sensación de esperanza”, la misma que marcó la obra de Haden, un tipo comprometido que formó una banda contra la guerra de Vietnam y dedicó discos y canciones a las víctimas de la guerra civil española, el Che, Sandino o  Dolores Ibarruri, La Pasionaria. Pese a que pueda parecer un contrasentido en un blog dedicado a “Mágico” yo me quedo con la versión que Haden compartió con Chet Baker y otros músicos a finales de los ochenta del pasado siglo.

“Spor”, el cuarto corte del disco empieza con el dúo de cuerdas entrando suavemente hasta dar paso a Garbarek, autor de la canción. Se trata de otro tema melancólico con protagonismo alternativo de saxo y guitarra, y un Haden que nuevamente apenas se deja oír.

“Palhaço” es el tema más corto y el que cierra el disco. Es también la pieza más vital del vinilo, con Gismonti, su compositor, de nuevo al piano con instantes de extraordinaria belleza e inspiración. Aun tratándose de una canción que me gusta mucho, hay momentos en que me sobra el saxo demasiado estridente de Garbarek, un músico al que mi amigo Pepe y yo vimos por aquella época en la mítica sala Zeleste de Barcelona. 

El éxito del disco hizo que el grupo repitiera un año después con “Folk songs” y que nada más y nada menos que treinta años más tarde se editara una grabación en directo y aumentada de “Mágico” con el nombre de “Mágico-Carta de amor”, que contiene, entre otras, la canción dedicada a La Pasionaria. 

Además del enlace al original en Spotify (https://open.spotify.com/intl-es/album/2TmLd8hxA3Xgd8mc304bTg?si=q_SvfEpeR3yBMJ5M4jk6qA) acompaño una versión en directo del elepé en el Berliner Jazztage de 1979, que aunque bastante fidedigna altera algo el orden del disco e incorpora improvisaciones de los músicos. También incluyo enlace a la grabación/homenaje de la hija de Haden de la que hablo en el blog. Que lamiak, bruixes, brujas y meigas os acompañen.

https://youtu.be/Sm9ANvFN6Lk 

https://youtu.be/ainr0JrwiO0

El muro

EL MURO

(tercer relato deportivo del verano)

Al kilómetro treinta no le gusta nada que le llamen "el muro". ¿Por qué no al treinta y uno, o al treinta y cinco o al cuarenta si de lo que se trata es de dar un número redondo? A ese kilómetro sí hay garantía de que llegan los atletas agotados, echando el bofe. Dicen los expertos en maratón no sé qué del glucógeno y de que el cuerpo empieza a chupar la grasa acumulada, una grasa que, para qué engañarnos, no parece abundar entre los de élite. Suena el muro además a disco de Pink Floyd y al Berlín de los años setenta, cuando todavía no corría ni dios, o sí, los africanos, que solo tenían que cambiar la sabana por el asfalto y el tartán.

El kilómetro treinta sí percibe el gesto de preocupación de los corredores populares y una cierta cautela porque, una vez alcanzado, estos bajan el ritmo. Por culpa de la leyenda que lo define como un obstáculo, el kilómetro treinta es siempre el más concurrido. Los familiares y amigos del maratoniano se aglutinan alrededor y lo jalean con fervor y tópicos al uso. El corredor apenas puede sonreír, busca algo con qué hidratarse, hace un gesto con la cabeza y habitualmente acorta la zancada. Habitualmente, porque también existe el atleta temerario o el "sobrao". Sabe el kilómetro treinta que este último acabará renqueante y caerá extenuado nada más cruzar la meta. Durante los dos días siguientes apenas podrá andar, pero cuando le pregunten que qué tal, simulará no haber sufrido y declarará que espera el próximo maratón como agua de mayo. En cuanto al temerario se retirará a los pocos kilómetros abatido por un racimo de calambrazos.

Acabada la prueba, el kilómetro treinta, alias "el muro", vuelve al anonimato. Quitan toda señal definitoria, sea un cartelón chungo o un arco hinchable, y recobra una vida anodina de calle de doble dirección y OTA para residentes.

John Renbourn

JOHN RENBOURN

John Renbourn y Bert Jansch

Fundado en 1978 por Manuel Domínguez, un melómano que trabajaba en Onda Dos, la FM de radio España, el sello Guimbarda fue un milagro que duró apenas 7 años pero fue capaz de publicar 300 discos, entre ellos auténticos tesoros hoy buscados por los coleccionistas.

Para los aficionados a la música, en aquellos tiempos Guimbarda era al folk como ECM al jazz más avanzado o Windham Hill a la new age, un catálogo de referencia donde, además, grababan músicos y grupos que empezaban, junto a otros en su mejor momento.

Entre estos últimos he dado en mi colección de vinilos orduñesa con tres LPs de John Renbourn (Marylebone-Reino Unido 1944 – 2015), dos de ellos publicados en España por aquel sello discográfico.

Renbourn, considerado uno de los músicos más influyentes del folk británico, había fusionado este estilo con elementos de jazz, blues y música barroca, fundando en 1967 el grupo Pentangle, junto a Bert Jansch, con el que compartía gustos y experimentos. Un año antes ambos habían grabado “Bert and John”, uno de los discos emblemáticos del folk inglés, desde luego que de Guimbarda y el primero de los tres a los que me quería referir.

Hay que advertir que es un disco que hay que oír varias veces para degustarlo y apreciar lo avanzado que suena el dúo de cuerdas sesenta años más tarde. Es el caso de "Goodbye Pork Pie Hat", obra de Charlie Mingus y una de las canciones más versionadas del jazz clásico, donde los guitarristas parecen evadirse y encontrarse una y otra vez mediante afinaciones alternativas y ritmos complejos.

https://youtu.be/WfeXvvQ98y8 

He seleccionado esa pieza, porque refleja el contenido de un disco muy experimental, y como contraste una miniatura de factura un tanto aflamencada, “East wind”, que daba entrada a la primera cara del vinilo.

https://youtu.be/uiJIas9EmQs

“The black balloon”, grabado en 1979 y también distribuido por Guimbarda, plasma la depuración técnica de Renbourn, que se acompaña en algunos cortes de la flauta de Tony Roberts y de pequeños trazos percusivos, obra de Stuart Gordon, para desarrollar la combinación de estilos que caracterizó su carrera hasta su fallecimiento en 2015, del folklore al jazz pasando por elementos de la música clásica. No en vano en 1982 Renbourn inició estudios de composición, orquestación y música antigua, una veta musical que le llevaría a la docencia y a participar en proyectos de cierta envergadura, como recopilaciones de obras renacentistas para guitarra.

Es también un disco muy completo pero me quedo con la preciosa “The Pelican”, en la que se aprecia la maduración técnica y compositiva de la que hablaba anteriormente.  

https://youtu.be/ywYYbg7VNPE 

El tercer vinilo, “The ship of fools”, ajeno a Guimbarda y nada que ver con la canción de John Cale, a la que dediqué espacio en este mismo blog (https://charlievedella.blogspot.com/2021/10/john-cale.html) es muy posterior (1988) y mucho más tradicional. Se trata de un disco grupal, que incluye voces e instrumentos de la pareja formada por Maggie Boyle y Steve Tilston, y la permanencia de Tony Roberts, que ya estaba en “The black Balloon”. Pese a que algunas de sus composiciones mantienen estructuras complicadas, no tienen nada que ver con los riesgos experimentales y ecos jazzísticos de la época de Pentangle, y aún siendo un disco hermoso pienso que quizás acaba siendo algo monótono. Haciendo repaso de las críticas del disco en internet, muchas de ellas por músicos y eruditos, veo que no coincido en mi selección, pero como al fin y al cabo yo solo soy un degustador he elegido dos piezas, ambas cantadas: “Sandwood down to kyle”, milagrosamente encontrada en un concierto de 1990; y una canción tradicional irlandesa muy versionada, “The verdant braes of screen” en este caso en su versión original. 

https://youtu.be/CZerw6LkunU 

https://youtu.be/tbmCm1zo2mQ 

Caída

(Segundo relato deportivo)

CAÍDA

Decían que Biliardo era un suicida bajando, de modo que, incluso cuando se le vio llegar con algo más de un minuto de retraso a la cima, ningún comentarista arriesgó a darle la etapa y el Giro por perdidos.

Al cruzar la pancarta del puerto, tercero tras dos escapados, sacó una especie de chaquetilla impermeable de no se sabe dónde y se la puso con una calma chicha que permitió llegar a su altura a un colombiano, adelantado durante parte de la subida pero al que habían acabado rebasando.

Le dejó que le abriera camino la media docena de curvas suaves que abrían el descenso, y a la séptima le pasó por la izquierda como una exhalación. El colombiano apenas le cogió rueda los trescientos metros que les separaban del primer giro de herradura, porque allí el italiano empezó una bajada a tumba abierta que, por momentos, alcanzó los 100 kms. por hora, según declaró horas después el motorista de la RAI que le daba cobertura. 

Este había decidido dejarle unos metros de vidilla cuando le perdió al salir de una curva que parecía abierta. Como no le veía metió gas y llegó a ver a lo lejos a los dos escapados pero no a Biliardo. Estaba claro. Se había esfumado en algún tramo anterior, así que avisó a la dirección de carrera e inmediatamente se inició la búsqueda. 

Lo que pasó es que Biliardo había patinado en una pequeña mancha de aceite e ido terraplén abajo por una zona boscosa. Tumbado sobre una manta de líquenes, helechos y zarzales, tuvo la suerte de no golpearse con ningún árbol al caer, de modo que pronto hizo su propio pronóstico: clavícula y rodilla derecha, retirada segura. Pero podía andar y escalar aunque fuera con dificultad, así que empezó a hacerlo ayudándose de troncos y ramajes que usaba para auparse y empujarse. De ese modo, renqueante, con la ropa hecha jirones y el cuerpo lleno cortes y  rasguños consiguió alcanzar la cuneta y ser atendido por las primeras asistencias.

Mientras, otro equipo de emergencia hurgaba medio kilómetro más adelante, en la creencia de que la caída también se podía haber producido en esa zona. Fue allí, en un lugar muy cerrado por los matorrales, donde un joven voluntario encontró algo sorprendente. Era el cadáver momificado de alguien vestido de ciclista, del que, pese al tiempo transcurrido desde su desaparición, pronto se conoció la identidad. Se trataba de Miquele Cortese, vecino de un pueblo no muy lejano, desaparecido diecinueve años antes. 

Su familia declaró que solía subir los picos de los alrededores del pueblo, pero parece que ese día se alejó algo más de la cuenta y seguramente cayó por causas desconocidas en aquella zona frondosa. Aun así, nadie se explicaba que no hubiera sido localizado con anterioridad.

Pese a la expectación que genera el Giro, los titulares se centraron al día siguiente en la noticia del cadáver, que en los medios aparecía pixelado con ropa ciclista de los años noventa, y solo en la crónica de la etapa y en páginas interiores en Biliardo y en el holandés De Graaf que, en esa misma jornada, ganó la etapa y se enfundó la maglia rosa. Fue sin duda el gran día de gloria de Miquele Cortese, vulgar ciclista aficionado.

Pensiones

LAS PENSIONES: GASTO O/Y MOTOR DE CRECIMIENTO

Cada paga extra en el sistema público de pensiones desencadena una retahíla de titulares interesados, un universo mediático alentado por quienes babean al ver las cifras que se mueven.

Ya expliqué hace tiempo que por razones profesionales asistí a mediados de los años ochenta, o sea, hace la friolera de 40 años al acto de promoción de los primeros fondos de pensiones organizado por una aseguradora multinacional. Desde entonces, principalmente a base de cifras descontextualizadas y expresiones y calificativos malintencionados, "la factura escala", “se dispara el gasto”, “quiebra”, “colapso”, los medios dependientes de empresas interesadas en el pastel se empeñan en demostrar, hasta ahora sin éxito, que la salida es renunciar o cuanto menos menguar el sistema público en favor de esos fondos y planes privados. Resumiendo: poner en manos de negociantes y no de gestores la totalidad o parte del pastel. 

El lenguaje nunca es neutro. La mayoría de los análisis económicos insisten en hablar de gasto cuando lo hacen de las pensiones, lo que, como advertía, no es neutral. Tiene un sesgo ideológico. Pone la lupa en la parte negativa y alienta el malestar de quien paga directamente, que en un sistema de reparto son los trabajadores en activo. 

Afortunadamente, y aunque sean minoritarios y no se les acoja en los medios sobre-subvencionados por los poderes económicos, también hay heterodoxos que hablan de las pensiones en un sentido, ahora sí, por lo menos neutro, detectando sus problemas demográficos, ciertos, de necesidad de crecimiento del empleo y la productividad, ciertos, pero también de su aportación a ese crecimiento. 

La Review Political Economy, que en su frontispicio se reconoce como publicación heterodoxa - algo que hoy en día es casi reconocerse como anti-sistema ¿a dónde hemos llegado? - publicó el año pasado un artículo que ponía el acento en la porción de las pensiones que retorna al ciclo económico. 

El artículo se sustenta en un estudio pormenorizado de lo que sus autores, Febrero y Bermejo, denominan “demanda autónoma”, que según la IA es la “demanda de bienes y servicios que no depende directamente del nivel de ingreso de los consumidores” y en lenguaje llano el dinero que retorna en forma de impuestos directos y derivados y el consumo de los pensionistas.

En el mismo lenguaje llano, y según sus datos, de cada euro dedicado al pago de una pensión 42 céntimos vuelven al Estado por distintas vías impositivas, y cada pensionista genera 0,21 unidades de trabajo a tiempo completo o, para que sea más comprensible: por cada 5 pensiones se crea un nuevo puesto de trabajo.

El hablar de esto, algo casi imposible en los medios dependientes de quienes quieren el pastel, da, por lo menos, un punto de vista distinto y contradice esa visión solo negativa del yayo sufragado, sesteante e insolidario, que parece que nunca ha aportado nada, ni antes ni ahora, a la actividad productiva. 

Si los negociantes ortodoxos plantean siempre un escenario apocalíptico, basado en datos demográficos, ratio trabajador/pensionista, porcentaje sobre los presupuestos generales y pocas veces sobre la evolución del PIB y mucho menos del retorno del que hablamos, el artículo, que se manifiesta claramente a favor de la sostenibilidad del sistema de reparto, el actual, señala las condiciones necesarias para que esto sea así hasta 2050: mantener el porcentaje impositivo de retorno alrededor del 50%, creación de 4 millones de empleos, en línea con las actuales previsiones del INE y la Comisión Europea, y un crecimiento de un 3% en las exportaciones. 

Resumiendo: todo es del color o “el interés” con que se mira.

Nota: para interesados en la totalidad del artículo he aquí el enlace: https://www.tandfonline.com/doi/full/10.1080/09538259.2024.2351833

De cierre musical este hermoso video que habla de amores im-perdurables: "Dance me to the end of love", del también eterno Leonard Cohen

El penalti

Empezó el verano y a la tradición de repasar la colección de vinilos, ejercicio de memoria, me he propuesto sumar el reto de escribir un relato corto o micro alrededor del deporte cada diez o quince días, un género, el del relato deportivo, que incluso cultivó el gran maestro del cuento, Franz Kafka. Así que ahí va el primero...Y ¡¡¡bona nit de Sant Joan!!!

RELATO NÚMERO 1

EL PENALTI 

El penalti salía apesadumbrado, en boca de una nube de aficionados que abucheaban al árbitro por no haberlo sacado a pasear en el minuto 83, cuando el fichaje estrella, un noruego cuadrado como un armario ropero, había caído de bruces en el área pequeña. 

El penalti se hacía de rogar en aquel campo de villa provinciana, frecuente como lo era en el estadio de la capital, sobre todo cuando el máximo goleador de la liga se tiraba a la piscina. Recordaba con rencor la época en que los hinchas de los equipos rivales le llamaban "penaldo", en referencia a un delantero centro que, se decía, caía al suelo incluso después del pitido arbitral. En esos casos el penalti tenía que aguantar la bronca de la afición rival mientras él oficiaba desde el punto fatídico.

Llevaba tres jornadas sin salir al campo, porque los trencillas discutían en los medios sobre la interpretación del reglamento y el uso del VAR, un artefacto que servía para hacer flashback cuando tenían dudas, y parecían acobardados a la hora de pitar la pena máxima, así que solía pasar desapercibido y a veces se hablaba de él como de un ser ausente. 

Según la estadística el número de sus servicios había disminuido un 20% en la división de honor, y algo parecido ocurría en las categorías inferiores. Su último gran momento se dio en la eliminatoria copera, cuando tras un empate de última hora tuvo que alimentar casi dos tandas. En esas ocasiones el graderío guardaba un silencio sepulcral viendo al verdugo colocar el balón en el lugar preciso y mirar al portero con cara de asesino en serie. Aquel aparentaba aplomo bailoteando como un simio a lo largo de la línea de meta pero tenía las pulsaciones por las nubes. Durante los siguientes días se hablaría del cabezazo del central, que acudía al remate en los saques de esquina, de la inoportuna lesión del centrocampista ganés cuando su equipo iba un gol por delante, pero sobre todo del penalti que clasificó al club visitante y del que, pegado al palo, paró su guardameta suplente.

Jackie Leven 2

JACKIE LEVEN, MÚSICO, BEBEDOR Y ESCOCÉS

"Soy un héroe, los héroes pueden ser de cualquier tamaño"

(Jackie Leven)

los Doll by Doll

Tras su exitoso paso por el blog a final de año (https://charlievedella.blogspot.com/2024/12/jackie-leven.html) prometí una nueva entrega dedicada a este héroe musical, un tipo del que yo ni siquiera había oído hablar hace apenas un año, lo que demuestra dos cosas: que la ignorancia es atrevida y que nunca es tarde si la dicha es…

Supongo que Jackie Leven, en la realidad Alan Moffatt (Kirkaldy – Escocia 1950-2011), se consideraba un héroe por las muchas batallas a las que se había enfrentado a lo largo de su vida, fueran estas trifulcas de barrio o peleas épicas con ejecutivos, desamores y sustancias varias. Supongo también que ser una mole de carne y músculo que pasa su infancia esperando a su padre en la puerta de un bar de mineros, un tipo que además tiene una voz de terciopelo y una sensibilidad musical y vitalidad apabullantes no debe ser fácil. O sí.

Analizando y comparando biografía y carrera musical veo en su vida como dos etapas. La primera es caótica, contiene discos tan peculiares como extraordinarios, con los “Doll by Doll” o camuflado en un heterónimo, John St. Field, y una vida privada con “sucesión de pandillas de navajeros, viajes de ácido, matrimonios precipitados y noches en la cárcel”, según palabras propias.

En los años ochenta, con el grupo peleado con productores y cabezas de cartel, que a menudo les echan por broncas a mitad de la gira, tocó fondo. Para redondear el momento, durante una noche londinense en pubs de mala reputación le pegan una paliza que le afecta a la laringe. Las secuelas temporales, pero sobre todo la desesperación, le conducen a la adicción de moda: la heroína.

El ecuador entre las dos etapas vitales de las que hablaba antes es largo. Va desde mediados de los ochenta a primeros de los noventa, y se corresponde con el periodo de adicción y desintoxicación. 

Abandonadas las jeringas, que no el alcohol, funda una asociación a medio camino entre lo benéfico y lo sectario, hasta que entrados los noventa recobra su vida musical, principalmente gracias a su nueva compañera, Deborah Greenwood.

Esta segunda etapa es desbordante. Da rienda suelta a una cabeza llena de música y buenas letras hasta el

punto de tener que inventarse un nuevo alias, Sir Vincent Lone, porque la discográfica no podía absorber toda su producción: 44 álbumes en 17 años. 

También deambula por pubs y baretos, apenas acompañado por su guitarra y algún colega, principalmente por el multi instrumentista Michael Cosgrave. En esos tugurios desgrana su prolífico repertorio y se mantiene fiel a sí mismo, emborrachándose como lo hacía su padre junto a viejos mineros y obreros metalúrgicos, ahora pensionistas y parados en una Escocia que ya no es lo que era. 

Todos somos en algún grado rehenes de nuestra imagen. En el caso de Leven víctima, incluso mártir de su estampa de hombre malote. En el obituario que le dedicó el crítico Paul Du Noyer este afirma que “algunos fans opinaban que casi querían verlo sufrir. Querían verlo emborracharse hasta el cansancio, tomándose una pinta de vodka con Windolen, porque esa era la imagen que tenían de la persona que querían. Sentían que él estaba haciendo algo por ellos”.

En febrero de 2011, seguramente ya tocado por la enfermedad, extenuado por giras de hasta 200 días al año, decidió "pasar más tiempo escribiendo canciones en casa y menos tiempo saqueando minibares". Era demasiado tarde. Jackie Leven falleció el 14 de noviembre de 2011, un día antes de mi 59 cumpleaños.

Su obra es tan extensa como incatalogable. Va del pop al country pasando por el blues, la música celta y hasta el hip-hop. Con títulos y letras desasosegantes, absurdas, provocadoras, a veces terroríficas, también amorosas, líricas o tiernas, es difícil permanecer indiferente a este anti-héroe musical muy del siglo XX. 

Me he permitido traducir libremente una de sus canciones emblemáticas, "Poortoun", elaborar una relación personal de mis preferidas, que me gustaría despertara el deseo de escucharle más, y seleccionar el concierto que ofreció en un programa de televisión alemán en 2004, donde interpreta algunas de esas piezas. 

Salud. Pronto empieza el verano !!!!

POORTOUN

Vengo de Poortoun
donde corre el río Leven.
Los molinos desaparecieron
y los embalses brillan al sol.
Dejé Poortoun
para vivir huyendo con tristeza.

Mi hermano pequeño
murió consumiendo heroína
y mi madre pastillas
que la ayudaran en el duelo,
en las iglesias vacías
y en el valle bajo la lluvia.

Ahora la gente me ve
teniendo problemas con la bebida,
como mis amigos de la infancia.

Siento que mi coraje se hunde lentamente, 

que mi mente está desapareciendo 

y no queda nada en qué pensar,

que mi mente está desapareciendo 

y no queda nada en qué pensar...

Veo a chicos jóvenes
mirando fijamente coches quemados
con campanadas de rabia.
Nuestros hijos se paran fuera de los bares,
los hombres los ignoran
y los abandonan a la vacuidad de sus guerras.

Vengo de Poortoun
donde corre el río leven
los molinos desaparecieron
y los embalses brillan al sol
Dejé Poortoun
para vivir en la tristeza 

y en la conciencia de la huida.

Mansion tension – del disco "Control" – John St. Field (1971) https://open.spotify.com/intl-es/track/631f1ZXPLJ2yQhLcDEbO3z?si=3c90da6d3d554dd7

Human face – del disco "Gypsy blood" – Doll by doll (1979) https://open.spotify.com/intl-es/track/2vI87I1UHg6aU3dZAB1OlC?si=7eb3269d5813485f

Forbidden worlds – de "Gypsy blood" (1979) https://open.spotify.com/intl-es/track/3054XlTLSglmEsd1jBI3q1?si=2f6697094ae042c1

Caritas – del disco "Doll by doll" (1981) https://open.spotify.com/intl-es/track/3Whyl8YL9tGGp9UzYXtttB?si=80b217d7790549a8

Working Alone / A Blessing - del disco "Forbidden Songs of the Dying West" (1992) – https://open.spotify.com/intl-es/track/3FmojhuNbQTrMZwl1QtAy1?si=82798aac474145bf

Men in Prison - de Forbidden Songs of the Dying West 1(992) - https://open.spotify.com/intl-es/track/71k803THsQGqCFOEE07Rcl?si=9885d148ff084b03

Poortoun - del disco  “Fairy Tales for Hardmen” (1997) - https://open.spotify.com/intl-es/track/0tnUgtZh3ciEWGCo9qDrt5?si=4c4d95cb90db4636

Jim O Windygates – de “Fairy Tales for Hardmen” (1997) - https://open.spotify.com/intl-es/track/7zh4Qd2GdWgpIl3L3KUfWK?si=07b5aa8705014294

My Spanish dad - del disco “Creatures of Light and Dark” (2001) - https://open.spotify.com/intl-es/track/36cVYnw4ppBOZUo1G3d2xF?si=5e3f6335f77b4edb

Friendship Between Men and Women - de “Creatures of Light and Dark” (2001) - https://open.spotify.com/intl-es/track/0DjsOz3z0k1ymfM1tyuc50?si=c59a06ce5f644d0a

Irresistible Romance - del álbum "Shining Brother Shining Sister" (2003) - https://open.spotify.com/intl-es/track/41kMVrofReDpZjz2Ggl2yI?si=e8101d1263654c01

Tied-up house - de "Shining Brother Shining Sister" (2003) - https://open.spotify.com/intl-es/track/34kCYuCfcDWpBlhCKeJs6h?si=60c59a13e5f144d4

Savannah waltz – de "Shining Brother Shining Sister," (2003) - https://open.spotify.com/intl-es/track/1dNOGHh1c4Fxfqe0Rbv7kg?si=cc98a26f302f4a16

King of the Barley - del disco "Elegy for Johnny Cash," (2005) - https://open.spotify.com/intl-es/track/1ksxnHlq7dCn16Vu6Ww9T6?si=dcf886bf17404ded

Blue soul dark road – de "Elegy for Johnny Cash" (2005) - https://open.spotify.com/intl-es/track/4kfUclsEr17Kx4iYw49Zx9?si=079747dc72cd4a6b

(I,ve never known) Peace on earth - del álbum "Songs for lonely americans" (2007) Sir Vincent Lone - https://open.spotify.com/intl-es/track/1ifG4tD44E2AGZNZdGlhMx?si=e913a9a8d61c4c19

Another Man's Rain  - de “Oh, What a Blow That Ghost Gave Me!” (2007) - https://open.spotify.com/intl-es/track/6iWkdbvYY5G3g31VKFoBUT?si=ade8471a2da2410a

Olivier Blues- del disco "Lovers At The Gun Club" (2008) - https://open.spotify.com/intl-es/track/71x0SjwMwrk0AQdJYJnUND?si=aa20104275c84771

To Live and Die in Levenland - del álbum "Wayside Shrines and the Code of the Traveling Man" (2011) - https://open.spotify.com/intl-es/track/49XoGHRLCaSrtjJoR0OWEd?si=4e89bdaf5882478b

https://youtu.be/R4VYTXQUQFI?list=RDR4VYTXQUQFI

Aguadulce

AGUADULCE

Este año el Imserso nos ha facturado a Aguadulce, hermoso nombre que, como todo enclave humano, merece cierto detenimiento.

UN POCO DE HISTORIA

Aguadulce a inicios del S.XX

Aunque considerada una barriada de Roquetas de Mar, núcleo urbano de 133.000 habitantes, Aguadulce tiene entidad e historia propia, algo que incluso se percibe geográficamente, ya que sigue separada del mismo por terrenos, el humedal de Algaida entre ellos, que parecen abandonados a su suerte.

Si bien se admiten ciertos asentamientos en el siglo XVIII, como lugar de descanso de los torreros que daban mantenimiento a las torres de Cerrillos y de la Rambla Honda, no se la considera como población estable hasta 1830, cuando Ginés Perales, natural de Roquetas, abre una venta aprovechando el agua dulce del manantial, hoy cegado, que viene de la sierra cercana.

Pasa este a ser un lugar de descanso de quienes viajan entre Almería y Málaga o bajan de las Alpujarras, pero también, muy pronto, de refugio de contrabandistas y estraperlistas, principalmente de tabaco. También de los chivatos que controlan a los carabineros.

Su cercanía a la capital y el hecho de que la costa, hasta allí escarpada, se arremanse, la convierte ya a finales del siglo XIX en una zona de baños, a la que acuden las gentes adineradas de Almería, industriales, ingenieros, terratenientes y militares. 

Máximo Cuervo, a la izquierda,
junto a Fraga Iribarne 

Dos de estos últimos, Pablo Clares, pero sobre todo el general Máximo Cuervo (Madrid 1893-1982) son personajes de cierta importancia en la evolución de la ciudad. El primero, comandante retirado y hombre culto, por sus preocupaciones sociales, principalmente por la enseñanza, llegando a presidir la Junta de Instrucción de la provincia.

Por su parte el caso de Cuervo es similar al de “impulsores” similares del desarrollo de otras zonas turísticas peninsulares. Militar franquista, Director de Prisiones en la posguerra, fundador de la Biblioteca de Autores Cristianos y la Editorial Católica, él mismo heredero de amplios terrenos en la localidad, Cuervo consigue, como miembro del Consejo de Estado, que Fraga Iribarne declare  Aguadulce nada menos que primer Centro de Interés Turístico en 1964, adelantándose incluso a Benidorm, una calificación que rendirá al general pingües beneficios económicos y la condición de ilustre de la localidad.

AGUADULCE HOY

Tras una corta estancia, dedicada además al “dolce far niente”, es difícil dar una visión que no sea la de un turistón jubilado que pasea sus carnes ajadas por el paseo marítimo y vermutea en los baretos del puerto náutico, pero sí se percibe en la zona cercana a la línea de mar detalles que la distinguen de otros pueblos costeros. Urbanizaciones de cierto nivel arquitectónico, como la del Palmeral (1968), de Fernando Cassinello, edificios hosteleros en general no muy altos, y una planificación, incluso en la zona interior, donde vive la gente que curra, bastante apañada, con la excepción del hormigón que escala las laderas de los montes aledaños. Los abundantes espacios verdes proporcionan un ambiente tranquilo, que contrasta con el urbanismo desbordado de Roquetas y el paisaje desolador de los invernaderos que la rodean.  

Interior de Ntra. Sra. del Carmen

Quiero detenerme un poco en Cassinello (Almería 1928-1975), no solo porque he leído que fue colega y amigo de Miguel Fisac, pariente de uno de mis abuelos, sino porque es el artífice de gran parte de los edificios y complejos de la primera época de desarrollo turístico de la provincia, como el Gran Hotel Almería (1965) o el citado El Palmeral. También porque fue protagonista en el derrumbe de un edificio almeriense en construcción con el resultado de quince muertos, del que según algunas fuentes fue absuelto y según otras declarado responsable. En cualquier caso ese fue uno de las primeras tragedias del incipiente desarrollismo especulativo ligado al turismo de playa.

Sin salir de Aguadulce, y para acabar, me quiero referir al que considero su edificio más peculiar, la Iglesia de Nuestra Señora del Carmen (1973), una construcción característica de la singular personalidad de su firmante, el arquitecto Antonio Ortiz Gacto (Córdoba 1941 – 2011), que simultaneó la obra de culto religioso con una pintura de colores y formas explosivas, de abundantes desnudos y referencias “libertinas”. Se trata de un edificio de aspecto espacial, un “Gehry rudimentario” de paredes encaladas y un espacio interior de gran originalidad, porque se estructura como un auditorio con graderío más propio de un teatro que de un templo religioso. De "imsersar" en Aguadulce la iglesia es el único monumento que ningún turista de pro debería eludir.

Y como epílogo musical un hombre de la tierra, Tomatito (Almería 1958), acompañando el humilde puñado de fotos que fui recopilando en nuestra estancia “imsersiva” anual. La canción, “Pa Salinas”, pertenece a su disco “Aguadulce”, publicado en 2004. 

https://youtu.be/bESv-Mk5ETo

NOTA: el pasado mes de abril el blog batió su récord de visitas, 6.700, impensable cuando se inició con 11 allá por 2012. Eskerrik asko.

PEDRO LEÓN, YAGO LAMELA, GOÑI II...

DE NINGUNEADOS, ÁNGELES CAÍDOS Y JUGUETES ROTOS...

¿QUIÉN ERA PEDRO LEÓN?

"Si se estrella el avión del Real Madrid, tú tampoco jugarías" (José Mourinho)

Pedro León (Mula – 1986) llegó al Real Madrid de José Mourinho con apenas 23 años y cierta fama ganada en la selección sub 21. Según se dice tuvo varios desencuentros en el vestuario con el entrenador, un tipo que ha demostrado una antipatía de manual a lo largo de una carrera que fue de más a menos, como la de León. Por aquel tiempo la afición y el periodismo futbolero buscaban héroes autóctonos y el centrocampista, jugador fino, hermano del longevo y muy buen ciclista Luis León, parecía reunir ese perfil, pero parece que el portugués no perdonó la osadía de que le llevara la contraria. 

Ya en una rueda de prensa Mourinho se enfrentó a un periodista que reclamaba la alineación del murciano espetándole, ¿Pedro León, quién es Pedro León?, y un tiempo después la frase que arranca este blog, un ejemplo de mobbing laboral televisado, que acabó con el murciano buscando nuevo equipo.

Quince años después y catorce temporadas en equipos humildes, pero de una competición tan exigente como es la primera división española, León aún viste de corto en el equipo de su comunidad, el Real Murcia, que compite en el tercer escalón del fútbol español, pero no llegó a ser el referente que reclamaba parte de la afición merengue, algo en lo que tuvo parte de responsabilidad el famoso entrenador, que le ninguneó colgándole el sanbenito de segundón con ínfulas.

Me he acordado de ese futbolista, que también pasó sin demasiada gloria por el Eibar, intentando recordar casos de deportistas que, por causas diversas, o no respondieron a las expectativas que generaron inicialmente o incluso tuvieron un final, como no es el caso, más o menos trágico. 

YAGO LAMELA, ÍCARO O AQUILES

“Yo solo quería ser bueno en lo mío” (Yago Lamela)

Según los periódicos de la época Yago Lamela (Avilés 1977-2014) falleció de un infarto de miocardio, pero muchos de los artículos dejaban entrever que, incluso aunque aquel fuera la causa de su muerte, el saltador de longitud más brillante del atletismo español dejaba tras de sí una vida tintada por la depresión.

Todo empezó bien. A finales de marzo de 1999 un Yago que aún no había cumplido 22 años  ponía en aprietos a otro de los grandes saltadores, Iván Pedroso, con un vuelo de 8,56 metros, récord de Europa del momento. 

Sus enormes cualidades físicas y un desparpajo en la pista que contrastaba con su timidez fuera de ella hacían presagiar una carrera sin límites, en una especialidad muy valorada, en la que había destacado gente tan mediática como Bob Beamon, Carl Lewis o el mismo Pedroso.

El dramaturgo Julio Béjar usó la doble leyenda de Ícaro y Aquiles para describir en su obra “8,56” un ciclo vital que le llevó a asombrar al mundo atlético volando sobre la arena del foso y acabar casi cojo, herido en ambos talones, como el héroe griego.

Tras aquel subcampeonato y su bis al aire libre el mismo año llegó la primera frustración en los Juegos Olímpicos de Sidney, donde, quizás asfixiado por la presión, ni siquiera llegó a los ocho metros. 

En 2002 y 2003 volvió a conseguir medallas de metales diversos, nunca el oro, en europeos y mundiales de pista cubierta y aire libre, pero de nuevo fracasó en la olimpiada de Atenas de 2004, a la que ya acudió anestesiado por dolor en los gemelos. Eso es, al fin y al cabo, lo que los voceros de la fama exigen de un Ícaro televisivo.

Operado ese mismo año del tendón de Aquiles, que se volvería a romper por dos veces, se retiró definitivamente en 2009. Descubrió entonces que era un don nadie en el mundo real. Aspirante a piloto de helicóptero en una empresa privada que quebró, universitario en Iowa sin llegar a titularse, músico electrónico fugaz, asediado por la depresión, en 2014 su corazón y sus talones, fuera o no por voluntad propia, dijeron basta.

GOÑI II, UN GIGANTE SIN CABEZA

«Siempre he reconocido que no soy un ángel, pero tampoco un demonio” (Mikel Goñi)

Se suele repetir que en cierta ocasión, Mikel Goñi (Oronoz-Mugaire 1977), se acercó fumando a Julián Retegui, un ídolo que había ganado 21 txapelas, es decir, 21 finales manomanistas en diversas categorías, y le preguntó qué tenía que hacer para parecerse a él: "Si te quitasen la cabeza y te pusieran la mía a lo mejor conseguías algo grande".

Puede que no tuviera cabeza pero era el más gigante en los frontones de la frontera del milenio, 1,87m. y 90 kilos en sus mejores tiempos, un físico que unía a una genialidad que ya como juvenil le convirtió en el pelotari más prometedor del circuito.

Debutante como profesional en 1996, con solo 18 años, pronto empezó a hablarse de un coloso que empezó a asombrar a los aficionados con su demoledora volea, sus ganchos y una derecha que podía enviar la pelota al rebote del frontón, amén de una precisión en las dejadas que, eso sí, podía, alternar con alguna que otra pifia fruto de la falta de concentración. Sin éxitos reales por un espíritu que primaba la fiereza sobre la disciplina y la estrategia, sí atrajo a nuevos públicos, entre ellos el femenino, y le dio una fama que pronto empezó a enseñorear en el mundo de la noche.

No era difícil verle jugar tras una velada en blanco de garito en garito y, descuidado el entrenamiento, coger hasta 15 kilos más de su peso ideal. En 2002, tras un hostión automovilístico bajo los efectos del alcohol, la empresa que le daba cobertura le retiró de la competición antes de una semifinal manomanista que hubiera ganado en condiciones normales. “No ofrece garantías de pasar el control antidopaje”, declaró el espónsor.

Tras esa primera caída aceptó rehabilitarse en un centro y ser tratado por psicólogos, pero siguió descuidando su físico y flirteando con sustancias lo que hizo que empezara a lesionarse. 

En 2009, tras varios años paseando por los frontones con más pena que gloria, se enfrentó a Oinatz Bengoetxea, campeón del año anterior, en el frontón de Eibar y tuvo que ir varias veces al vestuario por la lesión en la pierna que arrastraba. La bronca fue tan monumental que la misma afición que le había encumbrado le empujó a retirarse definitivamente como profesional.

No había acabado todo. Ya en una vida “civil” que combinaba con actuaciones de feria fue detenido acusado de secuestro y torturas tras un ajuste de cuentas por un alijo de marihuana. Total, tres años y seis meses de cárcel que cumplió en 2022.

Leo preparando el blog que en 2024 jugó la final de parejas de un campeonato de “viejas leyendas” en Pamplona, precisamente frente a Bengoetxea, el hombre que le retiró. La crónica resume gran parte de su carrera: una afición coreando el nombre de un pelotari de físico excelso a punto de una nueva espantada. El resultado final, eso sí, una pérdida más que honorable: 22-18. La vida sigue…

Aunque no en su mejor momento Cat Stevens (Londres 1948), de nacimiento Steven Demetre Georgiou, seguía metiendo alguno de sus temas en las listas de éxito y gozando de la fama que había aquilatado a principio de los setenta, cuando decidió abrazar el islam, llamarse Yusuf y subastar todas sus guitarras en 1977, abandonando una carrera musical que no reinició hasta 2006. Me parecía otro modelo de "héroe" caído, esta vez por deseo propio, que venía bien a este blog, además con la hermosísima "The wind", que interpretada en esta última etapa nos habla, qué raro, del destino.

https://youtu.be/yXuq6XpoasE

Abusos 3

ABUSOS 3

Veo que el tema de los abusos en el seno de la iglesia católica empieza a ser un clásico del blog, sea por experiencia personal o actualidad intermitente. El caso es que hace unas semanas asistí a una charla de la asociación Europa Laica y el asunto volvió a interpelarme, aunque en este caso no solo para hablar de “ABUSOS” en plural, sino del ABUSO, con mayúscula, que es el sistema de privilegio en el que vive esta confesión religiosa en el estado español.

LOS ABUSOS FÍSICOS

Voy a empezar con los abusos en plural y con un matiz que amigos y antiguos alumnos de colegios religiosos me han planteado acertadamente más de una vez: el del abuso mediante agresiones físicas que se producía en el pasado siglo. Sé que esas prácticas violentas se daban tanto o más en las escuelas públicas de la época y quiero creer que en el XXI habrán desaparecido totalmente en ambos casos.

El caso es que de los abusos sexuales en el seno de la iglesia ya se ha hablado abundantemente y parece que ésta ha empezado a reconocer su responsabilidad, por lo menos en algunas diócesis. De lo que ni se habla ni se ha investigado es de los castigos físicos que, de forma institucionalizada, se daban en colegios y organismos religiosos.

Cualquiera que haya asistido a uno de ellos en las décadas franquistas – ya digo que no sé si con posterioridad – sabe de lo que hablo. El clima de autoritarismo en el que se movía la enseñanza daba pie a una situación de absoluta indefensión de los alumnos. 

Las prácticas de abuso empezaban normalmente por una catalogación del alumnado, sea por su procedencia social, capacidades físicas, intelectuales o grado de simpatía por razones variadas y a veces pintorescas. Esa catalogación producía un plus o déficit que acompañaba al alumno durante el curso, en bastantes casos mediante un trato desigual, que en el caso de los maltratadores, reconocidos y temidos, se manifestaba despectivo y a menudo insultante. 

Chasca: aunque intrumento
musical rudimentario,
era usado para apresar
o golpear a alumnos díscolos

El zénit del abuso se daba en los maltratos físicos. Al margen de los sufridos por mí mismo - solo citaré los golpes de regla en los nudillos con apenas 5 años y la paliza recibida a los 11, de la que ya hablé en otro blog – en aquellos años vi levantar a un alumno por las orejas, sacar de clase a otro a patadas y, la normalidad, golpes de chasca, regla, lanzamiento de llaves, capones a contrapelo y la bofetada tradicional.

El maltratador sádico acompañaba este repertorio con prácticas más sofisticadas y personalizadas como expulsar a los alumnos fuera de clase durante horas, incluso días en pleno invierno, no dejar ir al servicio a niños con problemas de retención, o tener corriendo al gordito alrededor del patio hasta la extenuación, entre otras.

Me gustaría que los actuales rectores de la iglesia reconocieran por lo menos que permitieron y usaron esas prácticas de un modo muy extendido. Sería una forma de mínima reparación.

EL ABUSO MAYESTÁTICO

Según datos de Europa Laica la iglesia católica ya recibía del Estado 11.600 millones de euros en 2018, prácticamente la mensualidad de los cerca de 9 millones de pensionistas de entonces, lo que demuestra que es sostenible lo que se quiere que sea sostenible, en este caso una institución ideológica basada en creencias.

Ese monto total incluye, como es lógico, las aportaciones directas vía 0,7% del IRPF, ni mucho menos la partida mayor, como se piensa; la financiación de la enseñanza concertada, que se lleva cerca de la mitad; y los fondos dedicados a obra social, hospitales, patrimonio, eventos, funcionarios capellanes y obra pía (¿¿¿). 

Me gustaría subrayar tres partidas llamativas, por no calificarlas de extravagantes: los 300 millones dedicados a cofradías, procesiones y festejos religiosos varios; los 40 millones que se reservan al mantenimiento de capellanías en ejército, cárceles e incluso universidades; y esos 10 millones que financian la denominada obra pía (¿rezar?). Todo un ejemplo de estado laico.

Pero además de estas aportaciones directas, la iglesia católica está exenta, por la gracia de dios, de un montón de impuestos: IBI, Sociedades, IAE, transmisiones, obras…, que Europa Laica cuantificaba en 2018 en unos 2.000 millones de euros.

Si a ello unimos las inmatriculaciones que el gobierno de Aznar legalizó en 1998, muchas de ellas un robo al patrimonio popular (cerca de 15.000 bienes inmuebles no dedicados al culto, según algunos estudios), estamos hablando de la iglesia católica española como la entidad, organismo o empresa con mayor patrimonio inmobiliario del Estado. Algunas fuentes dicen que de la Unión Europea.

Resumiendo, a los abusos domésticos, los que no han dejado heridas personales, se une este ABUSO con mayúsculas, algo que se perpetúa gobierne quien gobierne, y ello pese a que en los acuerdos concordatorios de 1979 la iglesia católica se comprometía a autofinancierse, algo que, por cierto, algunos denostados sindicatos han conseguido ya en un 85%.

Si preguntas en la red por músicos clásicos ateos o no creyentes solo hay un nombre que se repite, el de Nikolai Rimski-Kórsakov (Novgorod 1844-1908). Considerado maestro de la orquestación, es popularmente conocido porque algunas de sus creaciones pertenecen al abc de la música clásica. He elegido una de ellas, su espectacular “Vuelo del moscardón”, que aprendo ahora es un interludio de “El cuento del zar Saltán”. En este caso en versión 10, la de Zubin Mehta dirigiendo la Filarmónica de Berlín.

Aunque el moscardón es en la obra un príncipe convertido en insecto para poder acercarse a su padre, que lo cree muerto, a mí me ha parecido una buena metáfora del incordio que los laicos debemos seguir profiriendo al inmenso poder que aún detenta la iglesia católica. AAAAmén...

https://youtu.be/5bXo4nKdMus